Ego Death At A Bachelorette Party parece o álbum que a Hayley Williams só conseguiu fazer depois de deixar morrer várias versões dela mesma.
A adolescente ruiva transformada em símbolo do emo. A menina cristã que precisava ser moralmente impecável. A única mulher no meio de uma cena extremamente masculina. A esposa que insistiu num casamento que já estava quebrado. A vocalista que passou vinte anos presa a um contrato assinado quando ainda era praticamente uma criança. A pessoa que aprendeu a sobreviver sendo profissional, simpática, produtiva e fácil de transformar em marca.
O disco não mata nenhuma dessas Hayleys por completo. Na verdade, ele soa como uma festa de despedida em que todas aparecem sem serem convidadas, bebem demais, começam a discutir no banheiro e obrigam a versão atual dela a decidir quais ainda podem voltar para casa.
É um álbum sobre descobrir que superar alguma coisa não significa deixar de ser assombrada por ela.
E talvez seja exatamente por isso que ele seja tão fragmentado.
As músicas passeiam por rock alternativo dos anos 1990, trip-hop, indie, folk, soul, ruído, pop estranho, eletrônica e guitarras que às vezes lembram a sujeira emocional de Flowers for Vases, às vezes o sarcasmo dançante de After Laughter e, em outros momentos, uma banda tocando num porão depois de alguém ter transformado a sessão de terapia em ensaio.
Não é um disco organizado sobre uma única ruptura. É uma autópsia de várias.
O primeiro álbum realmente pós-Atlantic
Existe uma camada do álbum que não é romântica, religiosa ou familiar. É profissional.
Hayley assinou com a Atlantic ainda adolescente e permaneceu ligada à gravadora por aproximadamente vinte anos. Mesmo quando o Paramore era apresentado ao público por meio da Fueled by Ramen, o contrato principal continuava ligado à Atlantic. Depois do fim desse vínculo, ela criou o selo independente Post Atlantic, um nome tão pouco sutil que chega a ser delicioso.
Ego Death é o primeiro trabalho solo dela lançado nessa nova condição. E a própria forma como o disco chegou ao público parece uma recusa da lógica tradicional de uma gravadora.
Primeiro vieram dezessete músicas praticamente despejadas no site dela, acessíveis por um código distribuído por meio da Good Dye Young. Depois, elas apareceram separadas nas plataformas, sem uma ordem definitiva. Os fãs começaram a montar suas próprias sequências. Só mais tarde Hayley apresentou uma versão organizada como álbum, acrescentando Parachute e, posteriormente, outras faixas.
Ela passou duas décadas dentro de uma indústria que organiza artista, campanha, single, narrativa e cronograma. Quando finalmente ficou livre, entregou uma pasta cheia de arquivos e falou, metaforicamente:
Agora vocês se virem.
Isso pode soar caótico, mas o caos faz parte do significado. Pela primeira vez, ela não precisava transformar imediatamente tudo o que sentia numa narrativa comercial facilmente explicável.
Até o nome Post Atlantic parece uma pequena lápide corporativa.
O ego morrendo no pior lugar possível
A música que dá nome ao álbum é engraçada de um jeito profundamente triste.
A imagem central é Hayley Williams, uma das maiores vocalistas de rock da geração dela, percebendo a própria fama dentro de um bar de despedida de solteira em Nashville. Não num palco monumental, não num momento de consagração artística, mas num ambiente meio cafona, cheio de karaokê, turismo alcoólico e pessoas provavelmente cantando músicas que ela tentou passar a vida inteira superando.
É uma crise existencial cercada por sash de noiva e copos plásticos.
Existe ali uma piada sobre a fama ser completamente relativa. Você pode ser uma estrela mundial e, ao mesmo tempo, ser apenas mais uma mulher desconfortável num bar enquanto alguém grita uma música do TLC.
A referência ao “racist country singer” deixou de ser apenas teoria quando Hayley confirmou que estava falando de Morgan Wallen, embora tenha brincado que a descrição poderia servir para mais de uma pessoa. Isso transforma a música também numa crítica a Nashville, uma cidade que adora vender a própria tradição musical enquanto protege homens brancos extremamente lucrativos mesmo depois de comportamentos que destruiriam a carreira de quase qualquer mulher.
E existe uma ironia ainda maior nisso tudo: Hayley cresceu profissionalmente em Nashville, mas nunca pertenceu completamente à indústria dominante da cidade. Ela foi uma menina do Mississippi criada no Tennessee, cristã, branca, sulista, cercada por música gospel e country, mas acabou liderando uma banda emo numa cena que também não sabia muito bem o que fazer com ela.
Ela se tornou grande demais para o lugar de onde veio, mas nunca grande o suficiente para deixar de ser julgada por ele.
O ego morre porque ela percebe que fama, sucesso, virtude, casamento e estabilidade não salvaram ninguém.
Taylor York: o romance mais delicado e mais explosivo do álbum
Hayley e Taylor York confirmaram publicamente que estavam juntos em 2022, depois de anos de amizade, colaboração e uma intimidade artística que já era visível muito antes de receber um nome romântico.
Para fãs antigos do Paramore, Taylor não era apenas “o namorado”. Ele era a pessoa que permaneceu.
Quando a formação da banda implodiu, quando os irmãos Farro saíram, quando Jeremy Davis saiu e quando Hayley parecia convencida de que todo mundo eventualmente iria embora, Taylor continuou. Ele ajudou a reconstruir o Paramore musicalmente e se tornou um dos principais parceiros criativos dela.
Por isso, qualquer música que pareça sugerir uma ruptura entre os dois imediatamente cria um incêndio no fandom. Não é apenas a fofoca de um casal famoso. É a sensação de que uma das estruturas centrais do Paramore pode ter rachado.
Até o período deste álbum, a banda não havia anunciado uma separação. Hayley chegou a esclarecer que o Paramore não havia acabado, mas estava fazendo uma pausa. Ainda assim, algumas reportagens posteriores passaram a descrever Taylor como ex-parceiro, e várias músicas foram interpretadas como retratos de um relacionamento que não conseguiu sobreviver da maneira esperada.
É importante separar as coisas: Hayley não publicou um documento explicando qual música é sobre quem. Grande parte dessa leitura vem das letras, do histórico conhecido e das conexões feitas pelos fãs.
Mas também não é exatamente uma investigação que exige Sherlock Holmes.
Parachute: o homem que estava no casamento
Parachute é a música que acendeu a sirene.
A letra fala com alguém que estava presente no casamento dela e que, olhando retrospectivamente, poderia ter impedido que aquilo acontecesse. O detalhe muda toda a geometria emocional da música.
Hayley se casou com Chad Gilbert em 2016, depois de um relacionamento iniciado em circunstâncias que ela própria mais tarde reconheceu como destrutivas. Taylor estava na vida dela durante esse período. Portanto, quando ela canta para alguém que estava naquele casamento, muitos fãs entenderam que a música se dirige a ele.
Não necessariamente como acusação de que Taylor deveria ter “salvado” uma mulher adulta de suas escolhas, mas como expressão da crueldade retrospectiva de perceber que a pessoa que talvez representasse segurança já estava por perto enquanto ela construía uma vida com o homem errado.
É uma emoção injusta, mas extremamente humana.
Depois que uma relação acaba, a cabeça começa a revisar o passado e fabricar saídas de emergência que nunca existiram. “Você poderia ter me impedido” muitas vezes significa “eu queria que alguém tivesse percebido que eu estava me destruindo antes de mim”.
E então a pessoa que parecia ser o paraquedas também falha.
O que torna Parachute tão dolorosa não é apenas perder um relacionamento. É perder a história que fazia aquele relacionamento parecer uma recompensa por tudo o que veio antes.
Se Taylor era o amigo que ficou, o parceiro criativo que a conhecia de verdade e o amor que surgiu depois de um casamento traumático, então a possibilidade de essa relação também acabar destrói a narrativa de que existe uma pessoa certa esperando depois da pessoa errada.
Às vezes não existe recompensa. Existe apenas outro ser humano, com os próprios limites, medos e incapacidades.
I Won’t Quit on You: amor depois do fim
I Won’t Quit on You soa como a contraparte emocional de Parachute.
Não é uma música de reconciliação simples. É a voz de alguém que aceita que talvez não possa continuar ocupando o mesmo lugar na vida da outra pessoa, mas ainda se recusa a reduzir a relação a fracasso.
Dentro do fandom, ela foi lida como uma mensagem para Taylor porque existe uma linguagem de companheirismo quase cósmico, aquela sensação de duas pessoas que se encontraram num lugar improvável e construíram uma linguagem particular.
Ela não parece dizer “vamos voltar”. Parece dizer:
Mesmo que eu precise sair daqui, não vou fingir que você deixou de importar.
Isso é muito mais adulto e muito mais doloroso do que uma música de ódio.
Hayley já escreveu raiva, vingança, ressentimento e humilhação. Aqui, o problema é que ainda existe ternura.
Love Me Different: amar alguém que não consegue amar da maneira esperada
Love Me Different trabalha com uma pergunta central do álbum: quanto de uma relação pode ser salvo quando duas pessoas sentem amor, mas precisam de formas incompatíveis de recebê-lo?
A produção usa um sample de Fior di Latte, do Phoenix, e isso combina com a atmosfera estranhamente leve da música. Ela parece flutuar enquanto a letra tenta negociar algo pesado.
É uma canção sobre adaptação emocional, mas também sobre exaustão. Pedir para alguém amar você “de maneira diferente” pode ser uma tentativa generosa de comunicação ou o último estágio antes de admitir que você passou tempo demais traduzindo suas necessidades para uma pessoa que não consegue atendê-las.
Disappearing Man: homens que somem sem necessariamente ir embora
O “homem desaparecendo” não precisa ser literalmente alguém que abandonou a relação fisicamente. Pode ser o homem emocionalmente inacessível, que continua presente na casa, na banda, na mensagem e na rotina, mas vai apagando o próprio contorno.
Também funciona como padrão recorrente na vida dela.
Integrantes do Paramore foram embora. O pai foi uma figura complicada. Chad traiu. Taylor, segundo a leitura dos fãs, pode ter se retraído emocionalmente. A indústria a cercou de homens que controlavam decisões e depois a deixavam administrar as consequências.
O desaparecimento masculino no universo da Hayley raramente é silencioso. Ele deixa trabalho para ela.
Chad Gilbert: o fantasma que continua pagando aluguel
O casamento com Chad Gilbert já havia sido processado de forma muito direta em Petals for Armor, especialmente em Dead Horse.
Hayley admitiu que o relacionamento começou enquanto ele ainda era casado com Sherri DuPree, da Eisley. Depois, ela própria foi traída. Essa simetria cruel transformou a relação num ciclo de culpa, punição e vergonha.
Ela não se coloca apenas como vítima inocente. Uma das coisas mais desconfortáveis e interessantes na escrita dela é a disposição de admitir:
Eu entrei numa situação que já estava ferindo outra mulher e depois construí minha vida em cima da ideia de que comigo seria diferente.
O álbum novo não parece tão diretamente sobre Chad quanto os dois primeiros trabalhos solo, mas ele continua funcionando como origem de vários medos.
Quando Hayley fala sobre confiar, casar, depender, ser abandonada ou esperar que alguém a salve, existe uma cicatriz anterior organizando essas emoções.
Parachute, inclusive, liga explicitamente o presente ao casamento. Mesmo que a música seja sobre Taylor, Chad continua dentro dela como o desastre original que deveria ter sido evitado.
Essa é uma das coisas mais honestas do álbum: relações antigas não desaparecem só porque você encontrou uma pessoa melhor. Às vezes você leva o trauma anterior para a relação seguinte e transforma a nova pessoa em prova de que o passado finalmente foi corrigido.
É uma responsabilidade impossível para qualquer parceiro.
Religião: quando a fé vira vigilância
Hayley cresceu no sul dos Estados Unidos dentro de uma cultura cristã que aparece em toda a carreira dela, mesmo quando ela não está falando diretamente sobre religião.
Está no vocabulário. Na culpa. Na ideia de pureza. Na necessidade de confessar. No medo de ser moralmente condenada. Na tendência de transformar sofrimento em prova de caráter.
As primeiras letras do Paramore muitas vezes usavam imagens espirituais com sinceridade. Com o tempo, a relação dela com a igreja parece ter se tornado muito mais crítica, especialmente diante do racismo, da homofobia, da transfobia e da política conservadora do Tennessee.
True Believer: fé em quê?
True Believer pega uma expressão religiosa e a transforma numa pergunta política.
Quem é o verdadeiro crente? A pessoa que repete doutrina, vota contra os direitos dos outros e aparece na igreja no domingo? Ou a pessoa que tenta agir com compaixão, justiça e consciência mesmo depois de perder confiança nas instituições religiosas?
A música foi interpretada como uma resposta ao cristianismo branco do sul, que fala de amor enquanto sustenta estruturas racistas e autoritárias. Em apresentações posteriores, ela também foi tratada como uma música antifascista.
Hayley parece menos interessada em anunciar uma identidade religiosa nova do que em expor a falência moral das pessoas que reivindicam exclusividade sobre Deus.
A fé dela pode ter mudado, mas o instinto de confrontar hipocrisia continua quase bíblico.
Existe também uma relação direta entre religião e a forma como ela viveu o casamento. Mulheres cristãs são frequentemente ensinadas a perdoar, permanecer, compreender, servir e interpretar sofrimento como compromisso.
Quando Hayley fala de ter insistido demais em relações que a machucavam, é difícil separar isso de uma cultura que transforma a resistência feminina em virtude.
A mulher boa não desiste. A esposa boa perdoa. A cristã boa não destrói a família.
E então ela escreve uma música chamada I Won’t Quit on You, porque até o desejo de amar pode carregar o eco de uma doutrina que ensinou que partir é fracassar.
Hardcore, emo e a mulher que sobreviveu ao rolê
Hayley não fala sobre a cena como alguém observando de fora. Ela viveu a Warped Tour, os clubes pequenos, as bandas cristãs, o pop-punk, o post-hardcore, os camarins, os selos e a misoginia daquele ambiente.
No começo, ela precisava provar que não era apenas uma cantora pop colocada na frente de uma banda por executivos. A ironia é que a Atlantic inicialmente queria justamente transformá-la numa artista solo, e ela insistiu em formar e preservar uma banda.
Mesmo assim, passou anos sendo tratada como produto fabricado, namorada de alguém, motivo de conflito, símbolo sexual ou exceção feminina.
O álbum revisita esse ambiente sem tentar reproduzir simplesmente o som antigo do Paramore.
As guitarras aparecem com textura mais suja, às vezes próximas do indie e do alternative rock dos anos 1990. Em outros momentos, existe uma agressividade rítmica que lembra a energia física do hardcore, mas sem a obrigação de entregar um refrão pop-punk perfeitamente fechado.
Blood Bros e Brotherly Hate
Esses dois títulos parecem conversar diretamente com a ideia de irmandade masculina.
“Bros” são os homens que se protegem, constroem cenas entre si, brigam entre si e ainda assim preservam uma solidariedade que raramente inclui as mulheres de forma completa.
Dentro do histórico do Paramore, isso ganha várias camadas.
Existiram irmãos literais na banda, Josh e Zac Farro. Existiram relações quase familiares entre integrantes. Existiu a cultura de bandas em que homens circulavam entre grupos, turnês e amizades enquanto Hayley era colocada no centro de todo conflito público.
Brotherly Hate soa como uma brincadeira com “brotherly love”, mas também com aquela forma masculina de afeto que se manifesta por competição, ressentimento, silêncio e agressividade.
É a fraternidade construída pela hostilidade.
Os fãs conectaram essas músicas tanto às dinâmicas internas do Paramore quanto à cena em geral. Não existe confirmação de que cada verso seja sobre uma pessoa específica, mas o contexto torna difícil não ouvir nelas o cansaço de uma mulher que passou a vida inteira cercada por clubes de meninos emocionalmente disfuncionais.
Hard
Até o título pode ser lido de várias formas: ser dura, estar excitada, viver algo difícil, tornar-se emocionalmente rígida.
Musicalmente, a faixa mistura elementos que parecem não combinar perfeitamente, com funk, rock alternativo, processamento vocal e uma energia quase debochada. É como se a música se recusasse a escolher entre sensualidade, raiva e piada.
Hayley sempre teve que ser “hard” o suficiente para sobreviver numa cena masculina, mas não tão dura a ponto de deixar de ser comercialmente simpática.
O álbum inteiro parece cansado dessa negociação.
Mirtazapine: transformar tratamento em canção de amor
Mirtazapine recebe o nome de um antidepressivo.
Hayley já falou publicamente sobre depressão, terapia e períodos em que perdeu completamente a capacidade de enxergar uma saída. Em vez de tratar medicação como vergonha ou símbolo de fracasso, ela transforma o remédio numa presença íntima.
A música pode ser ouvida como canção de amor para uma substância que ajudou a estabilizar a mente quando pessoas, fé, carreira e força de vontade não foram suficientes.
Isso não significa romantizar medicação. Existe humor, ambivalência e dependência emocional no modo como ela escreve.
Mas há algo muito importante em uma mulher criada num ambiente religioso cantar sobre tratamento psiquiátrico sem enquadrá-lo como falta de fé.
Às vezes a coisa que salva você não é uma revelação espiritual. É uma receita médica e a possibilidade de dormir.
Musicalmente, a faixa é acolhedora sem ser completamente confortável. Parece quente, mas há uma névoa ao redor de tudo, o que combina com um álbum interessado em estados mentais intermediários.
Negative Self Talk: a voz que aprendeu a falar com a voz dela
Hayley construiu uma carreira sendo analisada por todo mundo.
Críticos, fãs, homens da cena, executivos, cristãos, ex-integrantes, ex-parceiros, jornalistas e pessoas que decidiram que uma música escrita por uma adolescente deveria definir moralmente aquela mulher para sempre.
Depois de anos, a crítica externa entra na cabeça e começa a trabalhar sem precisar receber salário.
Negative Self Talk é sobre essa terceirização bem-sucedida da violência. Já não é necessário que alguém a humilhe, porque ela aprendeu a fazer isso sozinha.
A produção fragmentada e os elementos eletrônicos fazem a mente parecer um ambiente cheio de abas abertas. Não existe uma única voz interior organizada. Existem notificações.
É uma música especialmente eficiente porque não transforma autoestima em slogan motivacional. Ela entende que reconhecer o mecanismo não significa conseguir desligá-lo.
Discovery Channel: sexo, vergonha e uma piada geracional
Discovery Channel interpola The Bad Touch, do Bloodhound Gang, uma música que praticamente qualquer pessoa criada no fim dos anos 1990 ou começo dos anos 2000 reconhece imediatamente.
A referência é engraçada, vulgar e muito específica de uma geração que aprendeu sobre sexo através de televisão musical, piadas adolescentes e uma internet ainda meio primitiva.
Mas, no contexto da Hayley, sexo nunca é apenas sexo.
Ele vem acompanhado de religião, culpa, exposição pública, casamento, infidelidade e a experiência de ter sido sexualizada desde muito jovem dentro de uma cena musical.
Usar uma referência tão idiota e conhecida para falar de desejo parece uma forma de retirar solenidade de algo que durante anos esteve cercado por julgamento.
Também é um easter egg musical perfeito: a interpolação desperta a memória antes que a pessoa necessariamente identifique de onde veio.
Ice in My OJ: o café da manhã depois da implosão
O título já parece uma pequena violação doméstica.
Gelo no suco de laranja é uma coisa banal, mas estranha o suficiente para representar a sensação de acordar numa vida que ainda parece sua, embora alguma coisa esteja fora do lugar.
A música interpola Jumping Inside, do Mammoth City Messengers, conectando o álbum também à herança de música cristã alternativa que cercou Hayley durante a formação dela.
Isso cria uma camada muito interessante: um fragmento sonoro ligado ao universo cristão reaparece num disco em que ela questiona justamente as estruturas religiosas que ajudaram a formá-la.
Ela não apaga o passado. Ela sampleia.
Zissou, Dream Girl in Shibuya e a vontade de desaparecer dentro de uma estética
Zissou parece apontar para Steve Zissou, o personagem de Wes Anderson em The Life Aquatic. O filme é sobre luto, ego, fracasso, performance e uma figura pública tentando controlar uma narrativa enquanto tudo ao redor escapa.
Não é difícil entender por que essa imagem interessaria à Hayley.
Já Dream Girl in Shibuya trabalha com uma fantasia de reinvenção. Shibuya funciona como lugar real e como imagem pop: luzes, moda, anonimato dentro da multidão, distância de Nashville e possibilidade de virar outra pessoa por algumas horas.
Existe no álbum um desejo recorrente de sair da própria biografia.
Mas Hayley pode viajar, mudar o cabelo, lançar música sem gravadora e criar um novo selo. Ainda assim, entra em qualquer lugar carregando “Hayley Williams do Paramore”.
O sonho não é necessariamente ser outra mulher. É ser uma mulher que não precisa representar a própria história o tempo inteiro.
Glum, Kill Me e o vocabulário da depressão
Os títulos são diretos, mas as músicas não transformam sofrimento em espetáculo.
Glum é uma palavra quase infantil para uma tristeza que parece estrutural. Não é o grande colapso dramático. É o peso baixo, constante, meio cinza, que se instala na rotina.
Kill Me, por outro lado, usa uma linguagem mais violenta, mas dentro de uma obra em que Hayley já falou sobre ideação suicida e episódios depressivos, não dá para tratar isso apenas como metáfora romântica estilosa.
Ao mesmo tempo, ela não escreve como alguém entregando um relatório clínico. A música mantém ambiguidade, exagero, humor sombrio e teatralidade.
Essa mistura é importante porque pessoas deprimidas não vivem 24 horas dentro de uma única emoção cinematográfica. Elas fazem piada, trabalham, vão a festas, cantam, transam, discutem e depois voltam para o mesmo buraco.
O título do álbum já contém essa contradição: uma morte psíquica acontecendo numa despedida de solteira.
As influências: Fiona Apple, Radiohead, trip-hop e rock alternativo dos anos 1990
Musicalmente, Ego Death parece muito menos preocupado em provar consistência do que os álbuns anteriores.
Existem momentos em que a dicção, o piano, o ritmo quebrado e a agressividade emocional lembram Fiona Apple. Não porque Hayley esteja tentando imitá-la, mas porque ambas usam a voz como instrumento físico, permitindo que respiração, ataque, falha e desconforto façam parte da composição.
Radiohead aparece como referência na atmosfera, especialmente na relação entre alienação, eletrônica e instrumentos orgânicos. Há também elementos de trip-hop, com batidas lentas, graves e vozes que parecem emergir de ambientes esfumaçados.
O rock alternativo dos anos 1990 está presente na distorção, nas estruturas menos polidas e na recusa de transformar toda música em refrão de arena.
Ao mesmo tempo, o álbum não abandona o pop.
Hayley entende melodia de uma maneira quase irritante. Mesmo quando a produção parece desmontada, existe alguma linha vocal entrando no cérebro pela porta dos fundos.
Daniel James, principal parceiro de composição e produção, ajuda a criar uma linguagem em que instrumentos reais e manipulação digital não parecem adversários. Brian Robert Jones, Jim-E Stack e outros colaboradores acrescentam camadas sem tornar o projeto uma vitrine de produtores famosos.
Love Me Different usa Phoenix. Discovery Channel usa Bloodhound Gang. Ice in My OJ recupera Mammoth City Messengers. Essas referências não funcionam apenas como decoração intelectual. Elas apontam para pedaços específicos da formação cultural dela.
É quase um álbum de memórias montado por samples, gêneros e fantasmas.
Um álbum que se recusa a escolher a fofoca correta
A tentação é organizar tudo assim:
- esta música é sobre Chad;
- esta é sobre Taylor;
- esta é sobre a Atlantic;
- esta é sobre a igreja;
- esta é sobre o Paramore.
Mas pessoas não escrevem de forma tão limpa.
Uma música pode começar sobre um namorado e terminar falando com o pai. Pode usar uma separação atual para reabrir um casamento antigo. Pode dirigir raiva a uma pessoa específica e descobrir que o padrão existia muito antes dela.
É por isso que o álbum rende tanta investigação no fandom. As pistas parecem específicas o suficiente para serem conectadas, mas abertas o suficiente para nunca encerrar o caso.
Também existe uma questão ética: Taylor continua ligado ao Paramore, e a vida pessoal dos dois não foi completamente narrada por eles em público. Tratar cada metáfora como evidência judicial transforma arte em vigilância.
Mas fingir que o contexto não existe também empobrece a obra.
A leitura mais honesta é aceitar que algumas conexões são confirmadas, algumas são altamente plausíveis e outras são simplesmente teorias interessantes criadas por fãs que conhecem cada entrevista, fotografia, amizade e movimento de sobrancelha desde 2007.
O álbum solo que mais parece uma banda vivendo dentro da cabeça dela
Petals for Armor era um projeto de reconstrução. Flowers for Vases parecia o quarto fechado depois do fim. Ego Death é o momento em que ela sai de casa e percebe que ainda não sabe quem é fora da crise.
Ele é mais engraçado, mais irritado, mais político e mais musicalmente livre.
Também é menos elegante.
Existem faixas que parecem fragmentos, ideias que poderiam ter sido desenvolvidas e transições que não tentam esconder a origem dispersa do material. Para quem precisa que um álbum tenha uma narrativa perfeitamente calculada, ele pode soar longo e irregular.
Mas eu não acho que a irregularidade seja um acidente que precisa ser perdoado.
Ela é o retrato.
Hayley passou a vida sendo obrigada a transformar caos em produto. Neste álbum, ela finalmente permite que o produto preserve um pouco do caos.
E isso combina com uma mulher que acabou de sair de uma gravadora, talvez de um relacionamento, de uma versão específica do Paramore e de várias certezas sobre fé, amor e identidade.
Por que esse álbum me pegou tanto
Eu acho que existe um tipo específico de dor em perceber que você finalmente conseguiu tudo o que imaginava que iria consertar sua vida e, ainda assim, continua sendo você.
Hayley teve a banda. O reconhecimento. O casamento. O amor do amigo que permaneceu. A liberdade contratual. O respeito crítico. A possibilidade de fazer exatamente o álbum que quisesse.
E nenhuma dessas coisas eliminou a depressão, o medo de abandono, a culpa religiosa, a necessidade de ser escolhida ou a sensação de que tudo pode desaparecer.
Isso não torna as conquistas inúteis. Só destrói a fantasia de que existe uma linha de chegada emocional.
Eu gosto deste álbum porque ele não tenta vender cura.
Ele mostra uma mulher inteligente o suficiente para reconhecer os próprios padrões e ainda humana o suficiente para repeti-los. Uma mulher que consegue analisar perfeitamente por que ficou, por que perdoou, por que escolheu determinado homem e por que construiu determinada vida, mas que não consegue transformar essa consciência automaticamente em paz.
E eu me identifico com isso.
Existe uma diferença enorme entre entender alguma coisa e parar de senti-la.
A Hayley entende quase tudo.
Ela entende a indústria. Entende a igreja. Entende os homens. Entende o casamento. Entende a fama. Entende a própria depressão. Entende como a personagem pública foi construída.
Mas o corpo dela ainda reage como se estivesse presa dentro de todas essas histórias.
Ego Death At A Bachelorette Party não é o som de alguém que finalmente se encontrou. É o som de alguém que parou de fingir que existe uma versão definitiva para encontrar.
Talvez o ego não morra uma única vez.
Talvez ele morra toda vez que uma relação acaba, toda vez que uma crença deixa de funcionar, toda vez que um trabalho termina, toda vez que a pessoa que você achava que seria para sempre vira alguém que você precisa aprender a amar de longe.
E depois você coloca uma roupa bonita, entra num bar ridículo, pega o microfone do karaokê e canta como se aquilo também não fosse uma espécie de funeral.